Artiste espagnol

Diego Velázquez | Peintre d'époque baroque

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Diego Velázquez, intégralement Diego Rodríguez de Silva Velázquez (baptisé le 6 juin 1599 à Séville, en Espagne - décédé le 6 août 1660 à Madrid), le plus important peintre espagnol du XVIIe siècle, un géant de l’art occidental. Velázquez est universellement reconnu comme l’un des plus grands artistes du monde. Le style naturaliste dans lequel il a été formé a fourni un langage pour exprimer son remarquable pouvoir d'observation en décrivant à la fois le modèle vivant et la nature morte. Stimulé par l'étude de la peinture vénitienne du XVIe siècle, il est passé d'un maître de la ressemblance fidèle et de la caractérisation au créateur de chefs-d'œuvre d'impressions visuelles uniques à son époque. Avec une diversité brillante de coups de pinceau et de subtiles harmonies de couleurs, il réalise des effets de forme et de texture, d'espace, de lumière et d'atmosphère qui en font le principal précurseur de l'impressionnisme français du XIXe siècle.





















La principale source d’information sur le début de carrière de Velázquez est le traité Arte de la pintura (“L'art de peindre”), Publié en 1649 par son maître et beau-père Francisco Pacheco, biographe et théoricien plus important que peintre. La première biographie complète de Velázquez est parue dans le troisième volume (El Parnaso español; "Le Parnasse Espagnol") de El museo pictórico y escala óptica (“Le musée pictural et l'échelle optique”), publié en 1724 par Antonio Palomino, peintre et spécialiste des beaux-arts. Ceci était basé sur des notes biographiques faites par l'élève de Velázquez, Juan de Alfaro, qui était le patron de Palomino. Le nombre de documents personnels est très petit et la documentation officielle relative à ses peintures est relativement rare. Comme il a rarement signé ou daté ses œuvres, leur identification et leur chronologie doivent souvent être fondées uniquement sur des preuves stylistiques. Bien que de nombreux exemplaires de ses portraits aient apparemment été réalisés dans son studio par des assistants, sa propre production n’était pas grande, et le nombre de ses autographes survivants était inférieur à 150. Il est connu pour avoir travaillé lentement et pendant les dernières années de son enfance. occupé par ses fonctions d'officier de justice à Madrid.
  • Sevilla (Séville)
Selon Palomino, le premier maître de Velázquez était le peintre sévillan Francisco Herrera the Elder (c. 1576-1656). En 1611, il fut officiellement mis en apprentissage chez Francisco Pacheco, dont il épousa la fille en 1618. “Après cinq ans d'éducation et de formation", Écrit Pacheco,"Je l'ai épousé avec ma fille, émue par sa vertu, son intégrité, son bon sens de la vie et par les attentes de son caractère et de son grand talent” Bien que Pacheco soit lui-même un peintre maniériste médiocre, c'est par son enseignement que Velázquez développa son premier style naturaliste. “Il a travaillé de sa vie, écrit Pacheco, effectuant de nombreuses études de son modèle dans diverses poses, ce qui lui a permis de gagner en certitude dans ses portraits.” Il n’avait pas plus de 20 ans quand il peignit le Vendeur d’eau de Séville (c. 1619), dans laquelle le contrôle de la composition, de la couleur et de la lumière, le naturel des personnages et de leurs poses et la nature morte réaliste révèlent déjà son œil vif et sa facilité prodigieuse au pinceau. Les modèles puissants et les contrastes prononcés de lumière et d'ombre du début du style illusionniste de Velázquez ressemblent beaucoup à la technique de l'éclairage dramatique appelée ténébrisme, une des innovations du peintre italien Caravaggio (1571-1610). Les premiers sujets de Velázquez étaient principalement religieux ou de genre (scènes de la vie quotidienne). Il a popularisé un nouveau type de composition dans la peinture espagnole, le bodegón, une scène de cuisine avec des natures mortes, telle que Old Woman Frying Eggs. Parfois, les bodegones avaient des scènes religieuses à l'arrière-plan, comme dans Christ dans la maison de Marthe et de Marie. L'adoration des mages est l’une des rares peintures sévillanes de Velázquez restées en Espagne.
  • Peintre de la cour à Madrid
En 1622, un an après l’arrivée de Philippe IV sur le trône, Velázquez se rend pour la première fois à Madrid, dans l’espoir d’obtenir le patronage royal. Il a peint le portrait du poète Luis de Góngora (1622), mais il n'y avait aucune possibilité de représenter le roi ou la reine. L'année suivante, il est rappelé à Madrid par le Premier ministre, le comte Olivares, compagnon sévillan et futur patron. Peu de temps après son arrivée, il peint un portrait de Philippe IV qui lui vaut un succès immédiat. Il fut nommé peintre de cour avec la promesse que personne d'autre ne représenterait le roi. Pacheco décrit un portrait équestre de Philip (perdu) peint peu de temps après, “tous pris de la vie, même le paysage"; le portrait a été exposé publiquement “à l'admiration de toute la Cour et à l'envie des membres de la profession” L'envie des autres artistes, qui accusent Velázquez de ne pouvoir peindre que des têtes, aurait été l'occasion pour le roi de lui ordonner de peindre un sujet historique, l'expulsion des morisques (perdus), en concurrence avec d'autres peintres de la cour. . Velázquez a reçu le prix et la nomination en 1627 de monsieur huissier au roi. Même s'il continuait à peindre d'autres sujets, il était principalement peintre de la cour et représentait les membres de la famille royale et leur entourage. Il a également peint de nombreux portraits de Philippe IV au cours de sa vie. “La libéralité et l'affabilité avec laquelle il est traité par un si grand monarque est incroyable”, Écrit Pacheco. “Il a un atelier dans sa galerie et Sa Majesté a une clé et une chaise pour le regarder peindre à sa guise, presque tous les jours.”. La position de Velázquez à la cour lui donna accès aux collections royales, riches en peintures du maître vénitien de la Renaissance, Titian (c. 1490-1576), qui devait avoir plus d’influence que tout autre artiste sur le développement de son style. Les portraits en pied de Philippe IV (c. 1626) et son frère l'infant Don Carlos (c. 1626) s'inscrivent dans la lignée des portraits royaux espagnols établis par Titien et sont influencés dans une certaine mesure par son style. Dans ces portraits, la description détaillée et le ténébrisme des peintures sévillanes de Velázquez ont été modifiés; seuls les visages et les mains sont accentués et les figures sombres se détachent sur un fond clair. Dans ses portraits de cour plus récents, Velázquez devait adopter quelque chose du décor plus élaboré et des couleurs plus riches du maître baroque flamand Peter Paul Rubens (1577-1640), qu’il rencontra lors de la deuxième visite de ce dernier à la cour d’Espagne en 1628. Pacheco raconte comment Rubens a grandement loué les œuvres de Velázquez pour leur simplicité. Le tableau de Velázquez sur Bacchus, connu sous le nom de Los Borrachos (The Topers ou le triomphe de Bacchus) semble avoir été inspiré par Titian et Rubens, mais son approche réaliste du sujet est typiquement espagnole et doit être préservée par Velázquez tout au long de sa vie.
  • Premier voyage italien
La visite de Velázquez, avec Rubens, aux peintures célèbres du monastère royal de l'Escorial, près de Madrid, aurait provoqué son désir d'aller en Italie. Après avoir obtenu l'autorisation du roi et deux ans de salaire, ainsi que de l'argent et des lettres de recommandation d'Olivares, il s'embarqua pour Barcelone en août 1629. Les lettres des ambassadeurs d'Italie à Madrid le désignèrent comme un jeune portraitiste, favori des roi et Olivares, qui se rendait en Italie pour étudier et améliorer sa peinture. La visite a en effet eu un effet important sur son évolution artistique. Il s’est arrêté à Venise, où Palomino dit avoir fait des dessins après le Tintoret (1518-94), maître de la peinture vénitienne de la fin du XVIe siècle, puis se rendit à Rome. Pacheco raconte qu'on lui a donné des chambres dans le palais du Vatican, qu'il a trouvé très isolé. Après avoir obtenu l'autorisation de retourner au Vatican pour faire des dessins après le jugement dernier de Michel-Ange et les peintures de Raphaël, il s'installe à la Villa Médicis, qui était «haut et aéré" et avait "sculptures antiques à copier” Une attaque de fièvre l'obligea plus tard à se rapprocher de l'ambassadeur d'Espagne. Après un an à Rome, il rentre en Espagne et fait une halte à Naples. il revint à Madrid au début de 1631. Aucun des dessins italiens de Velázquez ne semble avoir survécu. Parmi les rares peintures qu’il a réalisées en Italie, un “célèbre portrait de lui-même"Peint à Rome, mentionné par Pacheco, est peut-être le"autoportrait”Connu uniquement dans les répliques. Les principaux travaux de sa visite en Italie sont les deux “images célébrées”Peint à Rome, ce que Palomino rapporte qu'il ramena en Espagne et offrit au roi: le manteau sanglant de Joseph porté à Jacob et la forge de Vulcain. Ces deux compositions de figures monumentales sont loin du réalisme limité dans lequel il avait été formé. À la suite de ses études italiennes, en particulier de la peinture vénitienne, son développement dans le traitement de l’espace, de la perspective, de la lumière et des couleurs et sa technique plus large marquent le début d’une nouvelle phase de sa quête perpétuelle du rendu fidèle de l’aspect visuel.
  • Années intermédiaires
Après son retour d'Italie, Velázquez est entré dans la période la plus productive de sa carrière. Il reprend son poste de peintre de portraits et est parfois appelé à représenter des sujets mythologiques pour la décoration des appartements royaux. Ses œuvres religieuses sont désormais rares et individuelles. La qualité de dévotion de ses premières peintures sévillanes trouve une expression émouvante dans le Christ en croix, une composition de simplicité monumentale et de naturel. Dans le couronnement de la Vierge, la solennité et la dignité des personnes saintes sont soulignées par leurs robes volumineuses et colorées dans une composition d'une splendeur exceptionnelle convenant particulièrement à un tableau de la reine des cieux orné à l'oratoire de la reine d'Espagne. Pour la décoration de la salle du trône du nouveau palais Buen Retiro, achevée en 1635, Velázquez a peint une série de portraits équestres royaux, selon une tradition qui remonte en Espagne au portrait de Charles V à Charles V à Mühlberg (1548) et a été poursuivi par Rubens. Les groupes équestres de Velázquez ont un équilibre et un équilibre plus proches de ceux de Titian que des compositions baroques de Rubens. Après son retour d'Italie, il a obtenu un effet tridimensionnel sans dessin détaillé ni contrastes forts d'ombre et de lumière, mais avec une large technique de pinceau et de naturel. lumière d'extérieure. La reddition de Breda, la célèbre contribution de Velázquez à la série de triomphes militaires peints pour la même salle du trône, est son seul sujet historique survivant. Bien que la composition élaborée soit basée sur une formule picturale de Rubens, il crée une impression vivante d’actualité et de drame humain au moyen de détails topographiques précis et du portrait réaliste des personnages principaux. Bien que Velázquez suive fréquemment des compositions traditionnelles, en particulier pour son art royal portraits, c’est de ne pas manquer de la capacité de composer ou d’inventer. Avec ses portraits de Philippe IV (c. 1635), l’infant Fernando (c. 1632-35), et le prince Baltasar Carlos en tant que chasseur, peint pour le nouveau pavillon de chasse du roi, la Torre de la Parada, il crée un nouveau type de portrait royal informel. Au même endroit, il a peint des scènes de chasse, dont Philippe IV chassant le sanglier, peut-être un exemple, et quelques sujets classiques, dont probablement le portrait ressemblant à des figures d'Ésope et de Menippe (1639-40). Les portraits de nains de la cour, peints au cours des prochaines années, montrent le même œil impartial et perspicace que ceux des modèles royaux et nobles, tandis que le caractère de leurs difformités se révèle à travers leurs poses inconfortables et non conventionnelles, leurs expressions individuelles et par le pinceau exceptionnellement libre et audacieux. La Dame à l'éventail, l'un des rares portraits de femmes informels, est par contre remarquable par la peinture subtile et délicate et par la représentation sensible du charme personnel.
  • Deuxième voyage italien
Au début de 1649, Velázquez quitta l'Espagne pour une deuxième visite en Italie. Cette fois, il était en mission officielle en tant que monsieur de la chambre à coucher. Il reçut une voiture pour les photos, probablement des cadeaux de Philippe IV au pape Innocent X. Le but principal de son voyage était d'acheter des peintures et des antiquités pour le roi afin de décorer de nouveaux appartements dans le palais royal et d'engager des peintres orner les plafonds des appartements et réintroduire la fresque en Espagne. Encore une fois, Velázquez a trouvé une nouvelle inspiration en Italie, en particulier de Titian. Il s’est d'abord rendu à Venise, où il a acheté des tableaux de Titien, Tintoret et Véronèse. Il s'est ensuite rendu à Modène, où il a vu la célèbre collection ducale, qui comprenait son propre portrait du duc de Modène, peint à Madrid en 1638. Selon Palomino, il s'est arrêté dans de nombreuses autres villes, notamment à Bologne, où il a contracté une fresque. peintres à travailler à Madrid. Palomino raconte que Velázquez était lié d'amitié à Rome par d'éminents prélats et artistes, dont le peintre français Nicolas Poussin (1594-1665) et Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), le principal sculpteur italien du style baroque. Il donne une liste des antiquités sélectionnées par Velázquez, à partir desquelles il semble suivre la tradition des grands collectionneurs depuis le XVIe siècle: plutôt que des originaux inférieurs, il choisit les moulages des plus célèbres statues de Rome. “Sans négliger ses autres affaires, il a également peint de nombreux tableaux.”, Outre le portrait d’Innocent X. Palomino raconte qu'avant de présenter le pape comme un exercice consistant à peindre une tête de la vie, Velázquez avait réalisé le portrait de son esclave mulâtre, Juan de Pareja (libéré par Velázquez en 1650). C'est un portrait non officiel exceptionnel, exceptionnellement peint avec audace, qui crée un puissant effet de ressemblance familière et vivante. En 1970, la somme de 5 544 000 dollars a été versée pour cette photo, alors que le prix le plus élevé avait été payé pour une œuvre d'art mise aux enchères. Pour le portrait d'Innocent X, l'une de ses plus importantes œuvres officielles, Velázquez s'inscrivait dans la tradition des portraits papaux. par Raphaël à la ressemblance de Jules II (c. 1511-12) et utilisé plus tard par Titien pour représenter Paul III et ses petits-fils Ottavio et le cardinal Alessandro Farnese (1546). La tête puissante, les combinaisons brillantes du pourpre du rideau, de la chaise et du cope sont peintes avec une technique fluide et des coups de pinceau presque imperceptibles qui vont bien au-delà de la manière tardive de Titien et annoncent la dernière étape du développement de Velázquez dans la direction de l'impressionnisme. . Ce portrait, qui a longtemps été le tableau le plus célèbre de Velázquez en dehors de l'Espagne, a été copié d'innombrables fois et lui a valu une renommée immédiate et durable en Italie. En 1650, il fut nommé membre de l'Accademia di San Luca et de la Congregazione dei Virtuosi al Pantheon, les deux organisations d'artistes les plus prestigieuses de Rome. Le portrait lui valut le soutien du pape pour sa demande d'adhésion à l'ordre militaire espagnol le plus exclusif, bien que les difficultés résultant de son absence de noble naissance soient si grandes qu'il ne reçoive pas l'habit de l'Ordre de Santiago. jusqu'en 1659.Les deux petites vues de la Villa Medici, où séjourna Velázquez lors de son premier séjour à Rome, ont dû être peintes lors de son second séjour. Ce sont des exemples uniques de paysages purs dans son travail survivant et parmi ceux de ses réalisations qui préfigurent l’impressionnisme du XIXe siècle. La soi-disant Vénus Rokeby a probablement aussi été peinte en Italie et est l’une des rares représentations du nu féminin dans la peinture espagnole avant le XIXe siècle. Le thème de la toilette de Vénus, la couleur riche et les tons chair chauds, sont principalement inspirés par le Titien et d’autres peintres vénitiens. Mais Velázquez n’a, de façon caractéristique, fait aucune tentative pour dissimuler ou idéaliser son modèle, et sa Vénus superbement peinte est exceptionnelle pour son époque en tant que représentation réaliste d’une femme nue vivante.
  • Dernières années
Velázquez rentre à Madrid au cours de l'été 1651 avec une partie de ses achats. Il est chaleureusement accueilli par le roi qui, l'année suivante, le nomme chambellan du palais, bureau chargé d'organiser les appartements royaux et les voyages du roi. . Pendant son absence, Philippe s'était remarié et la jeune reine Marianne d'Autriche avec ses enfants lui fournissait de nouveaux sujets. Pour ses portraits de la reine (1652-53) et de la fille aînée du roi, l'infanta María Teresa (1652/53), il a utilisé des formules de composition similaires, et de nombreuses répliques de studio ont été réalisées. Les dames royales se présentent comme des personnages ressemblant à des poupées avec leurs énormes coiffures et leurs créoles. L’effet de la forme, de la texture et de l’ornement est obtenu à la manière tardive de Velázquez, sans définition du détail, de manière libre, «vague"Technique. Les portraits de la jeune Infanta Margarita (1659) et le prince Felipe Próspero, similaires dans leur composition et leur style, comptent parmi les œuvres les plus colorées de son œuvre et révèlent avec beaucoup de sensibilité le caractère enfantin de ses modèles derrière la façade de la dignité royale. Les portraits de Philippe IV dans le buste de Velázquez (c. 1654 et c. 1656), dont il existe de nombreuses versions de studio, ont un caractère très différent et sont exceptionnels en tant que portraits royaux pour leur apparence informelle. Ces dernières vues rapprochées du monarque triste et vieillissant comptent parmi les personnalités royales les plus intimes de Velázquez.Avec ses nombreux portraits officiels, Velázquez a peint au cours de ses dernières années deux de ses compositions de personnages les plus originales et ses plus grands chefs-d'œuvre. Las Hilanderas, une scène de genre dans une fabrique de tapisseries, est en même temps une illustration de la fable grecque antique du concours de filature entre Pallas Athéna et Arachne. Ici, le sujet mythologique -comme la scène religieuse dans certains des premiers bodegones- est en arrière-plan. Mais dans cette œuvre tardive, il n'y a pas de barrière entre le monde du mythe et la réalité; ils sont unis dans une composition ingénieuse selon une perspective formelle et aérienne. À Las Meninas («Les demoiselles d'honneur»; voir photo), également connu sous le nom de famille royale, il a créé l'effet d'un coup d'œil momentané sur une scène informelle dans l'atelier de l'artiste alors qu'il peint le roi et la reine -dont le reflet ne se voit que dans le miroir en arrière plan- en présence de l'infante Marguerite avec ses meninas et autres préposés. Dans cette composition complexe, les figures presque grandeur nature sont peintes avec plus ou moins de détail selon leur relation avec la figure centrale de l'infanta et avec la source de lumière, créant une illusion remarquable de la réalité que Velázquez ou aucun autre artiste n'a jamais dépassée. La dernière activité de Velázquez fut d’accompagner le roi et la cour à la frontière française, au printemps 1660, afin d’organiser la décoration du pavillon espagnol pour le mariage de l’Infante Marie Thérèse avec Louis XIV. Peu de temps après son retour à Madrid, il tomba malade et mourut le 6 août. Velázquez laissa peu d'élèves ou de suiveurs immédiats. Sa renommée européenne date du début du 19ème siècle. Beaucoup de ses peintures sévillanes de l’époque ont été acquises à l’époque par des étrangers (principalement anglais) collectionneurs. La plupart de ses œuvres officielles ultérieures ont été intégrées au musée du Prado, à Madrid. | Enriqueta Harris-Frankfort © Encyclopædia Britannica, Inc.






























































































































Velázquez ‹belàtħketħ›, Diego Rodríguez de Silva et Pittore (Séville 1599 - Madrid 1660). Nato da famiglia della nobiltà sivigliana, entrò presto (1609) Nella Bottega de F. de Herrera il Vecchio, c'est l'anniversaire de l'abréga par studio de F. Pacheco del Río, une érudition de classe et une lettre de classe classique, un tableau de classe de papier peint et une longue liste de couleurs aiuto nell'ingresso nella vita artistica e culturale della città. Au cours de la période Velázquez (entrella nella gilda cittadina nel 1617) réunit une lettre et une culture culturales interdépendantes dans le naturalisme et le dialogue, il est donc recommandé de consulter la liste des documents affichés au-dessus de la moyenne et de la couleur de la route (Voir aussi la description du film),je bodegones), La grande réussite de la commission de la presse.Londra, musée de Wellington) à la Vechia Che Frigge Le Uova (Edimburgo, galerie nationale d'Ecosse), il y a un volume potentiel de volume alloué à l'évidence de la qualité de la matière et des contrastes, mais il y a des langues

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