Artiste suisse

Alberto Giacometti ~ Surréaliste / Existentialiste / Sculpteur de figures

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Giacometti, Alberto (1901-1966) - Sculpteur, peintre, dessinateur et graveur, fils de Giovanni Giacometti.
1. Premières études et travaux, jusqu'en 1927
Il a commencé à dessiner vers 1910-1912, suivi par la peinture et la sculpture en 1913-15. À l’école secondaire de Schiers, près de Coire (1914-19), il a principalement développé son style de dessin à travers le portrait. En 1919-1919, à Genève, il étudie la peinture à l’Ecole des Beaux-Arts et la sculpture à l’Ecole des Arts et Métiers, mais il est plus impressionné par les visites ultérieures en Italie (1920-21), où il travaillait sans instruction formelle. En sculpture, il travaillait de manière académique, tandis qu'en peinture, il imitait le style postimpressionniste et fauviste de son père, qu'il maîtrisait parfaitement à la fin de 1921, comme dans l'autoportrait (Zurich, Ksthaus).



En janvier 1922, il entreprit alors d’étudier la sculpture à Paris auprès d’Emile-Antoine Bourdelle à l’Académie de la Grande Chaumière, où il continua par intermittence pendant cinq ans. En 1925, il cesse de dessiner et de peindre pour se consacrer à la sculpture et son frère, Diego Giacometti, le rejoint à Paris. En 1927, ils s'installèrent dans l'atelier situé au 46, rue Hippolyte-Maindron à Montparnasse, où Alberto travailla toute sa vie, effectuant des visites annuelles dans sa famille en Suisse.


Giacometti a réalisé peu de sculptures remarquables avant 1925, lorsqu'il s'est tourné vers des sources plus avant-gardistes. Après un certain intérêt pour la simplicité formelle du style de Brancusi, par exemple dans Torso (1925; Zurich, Ksthaus), il s’est tourné vers le cubisme, imitant les œuvres de Jacques Lipchitz et d’Henri Laurens dans ses propres sculptures de 1927, généralement intitulées simplement Composition (Homme) ou (Homme et femme). Il s’inspire également de l’art africain pour créer ses premières sculptures importantes: Man and Woman de 1926 (exposé au Salon des Tuileries, Paris) et Spoon Woman de 1926-197 (les deux Zurich, Ksthaus). Ces sculptures totémiques se composent de formes radicalement simplifiées; leur frontalité rigide et leur utilisation de nus masculins et féminins comme types ou symboles sexuels allaient avoir des implications durables pour les travaux ultérieurs de Giacometti.



2. Période surréaliste, 1927-1934
La première période de créativité extraordinaire de Giacometti a débuté en 1927; Au cours des sept années suivantes, il réalisa des sculptures dans une grande variété de styles. En 1927-1928, il modélisa des compositions aplaties, notamment une série de têtes de portrait de ses parents et un groupe de plaques, notamment Gazing Head (Zurich, Ksthaus) et plusieurs intitulés Femme (par exemple. Washington, DC, Hirshhorn). Les plaques reflètent une nouvelle approche conceptuelle de la forme et de l’espace sculptural. Giacometti a réduit la tête ou la figure à quelques éléments très abstraits à la surface d’un rectangle plat.



Les plaques ont attiré l'attention d'André Masson, par lequel Giacometti a rencontré Max Ernst, Miró, l'écrivain français Georges Bataille et d'autres personnes qui l'ont encouragé à aborder les thèmes freudiens de la sexualité, de la violence et du fantasme. En intégrant cette nouvelle orientation, il travailla de plus en plus dans des compositions d'éléments linéaires ouvertes et structurées géométriquement, comme dans Three Figures Outdoors (1929; Toronto, A.G. Ont..) et Femme couchée qui rêve (1929; Washington, DC, Hirshhorn), dont les images semi-abstraites véhiculent des insinuations phalliques. L'année suivante, il commença à construire davantage de constructions tridimensionnelles en matériaux mixtes, notamment le Suspended Ball (fer et plâtre, 1930; Zurich, Ksthaus), dont les implications sexuelles cinétiques ont incité André Breton à inscrire Giacometti auofficiel«Groupe surréaliste. Membre actif de 1930 à 1935, Giacometti est devenu le sculpteur le plus novateur des surréalistes, élargissant les paramètres de la sculpture sur le plan conceptuel et stylistique. En plus du modelage en plâtre, il a réalisé des sculptures construites avec des matériaux variés et fragiles, par exemple des éléments de suspension tels que le plâtre ou le verre dans des structures délicates de bois et de cordes extrêmement minces.




De nombreuses sculptures de 1931-1933 dépassent les définitions traditionnelles de la sculpture en se rapprochant de manière tentante »catégories': No More Play (Dallas, priv. col.) et homme, femme, enfant (Bâle, Öff. Kstsamml.) ressemblent à des jeux de jouets de table comportant des personnages mobiles dans des paysages abstraits, tandis que Tableau surréaliste (Paris, Pompidou) aborde la conception de meubles avec des permutations étranges. (À l'époque, Giacometti a également commandé pour l'architecte d'intérieur Jean-Michel Frank.) Palais à 4 heures du matin (New York, MOMA) ressemble à un décor architectural miniature, rempli d'évocations du rêve de l'artiste, comprenant le squelette d'un ptérodactyle et une colonne vertébrale suspendue dans une cage. Fleur en danger (Zurich, Ksthaus) menace la destruction imminente d'une beauté fragile, alors que Femme à la gorge tranchée (Venise, Guggenheim) transmet les conséquences d'une violence macabre, y compris un élément de voyeurisme, alors que le spectateur est fasciné par les formes extraordinaires de la sculpture. Mains tenant le vide (Le vide; 1934; New Haven, Connecticut, Yale U. A.G.) présente une image énigmatique d’un désir métaphysique insatisfait, alors que la figure saisit le néant. Dans presque toutes ses sculptures surréalistes, l'espace vide joue un rôle actif, tant sur le plan de la composition que sur le plan psychologique.



En 1930-1936, Giacometti participa à de nombreuses expositions, notamment à Miró-Arp-Giacometti (Galerie Pierre, Paris, 1930), son premier one-man-show (Galerie Pierre Colle, Paris, 1932) et des spectacles de groupe surréalistes à travers le monde (Galerie Pierre Colle, Paris, 1933; Galerie Charles Raton, Paris, 1936; Musée d'art moderne de New York, 1936; New Burlington Galleries, Londres, 1936; et autres à Bruxelles, Zurich et Copenhague). Cependant, précipité par ses travaux sur la figure dans Invisible Object (1934; Washington, DC, N.G.A.), en 1935, il rejeta le surréalisme pour revenir à un art de la représentation basé sur une étude de la vie.

3. Période intérimaire, 1935-1945, et émergence du style mature, 1946-1955
Pendant la décennie suivante, Giacometti lutta contre une période d'effort frustrant, tentant de saisir l'expérience de la perception, y compris les effets subjectifs de la distance spatiale, sans tomber dans un style purement descriptif. Il est revenu au dessin, copiant souvent des œuvres d'art plus anciennes. Il a sculpté des bustes à plusieurs reprises pendant que son modèle posait pendant des jours ou des semaines et, en 1939, il fabriquait des emplâtres extrêmement réductivistes, dont certains étaient si petits qu'ils tombaient en poussière. Bien que ses efforts aient été déployés à Paris et, pendant la Seconde Guerre mondiale, à Genève (1942-5) ne produit que quelques œuvres significatives, ils jettent les bases de son style d'après-guerre. Femme sur un char (1942-3; Stuttgart, Staatsgal) préfigure ses nus féminins ultérieurs, tandis que la mère de l'artiste et sa nature morte avec Apple (1937) marque le début de son style de peinture linéariste d'après-guerre.

Ce n'est qu'après son retour à Paris, fin 1945, que les efforts frustrés de Giacometti ont été réorientés pour produire son style mûr et que sa deuxième phase d'intense créativité a débuté. De nombreux facteurs peuvent avoir contribué à fournir les catalyseurs nécessaires: la vitalité de Paris d'après-guerre, l'aide et le soutien renouvelés de son frère Diego, son amitié avec Jean-Paul Sartre, son histoire d'amour et sa vie domestique avec la jeune Annette Arm, rencontré à Genève en 1943 et marié à Paris en 1949. Parmi ces stimuli convergents, il y avait une altération radicale de la perception (voir Charbonnier pour les souvenirs de l'artiste), ce qui lui a permis de «voir» les personnages comme s'ils étaient à distance, atténués et indifférenciés, vision qu'il a traduite en chefs-d'œuvre de la sculpture durant les années d'après-guerre. On trouve des traces vestigiales de la peur surréaliste, notamment The Nose (Washington, DC, Hirshhorn), Main (Zurich, Ksthaus) et la tête d'un homme sur une tige (New York, MOMA). Ses sculptures d'après-guerre les plus connues représentent des personnages isolés ou groupés, aux proportions étonnamment squelettiques et souvent montés sur des bases larges ou lourdes. Dans les bronzes tels que les différents Tall Figures (Washington, DC, Hirshhorn; Zurich, Ksthaus), Quatre personnages sur une base (Pittsburgh, PA, Carnegie) et le char (New York, MOMA), ses nus féminins rigides sont comme des symboles de l’essence irréductible de l’humanité, inapprochable et indestructible. Ses hommes semblent connaître leur objectif ou leur destination et sont donc représentés en mouvement, comme dans Man Pointing (New York, MOMA) et les personnages qui marchent avec énergie dans Man Walking in the Rain (New York, priv. col.) et trois hommes marchant (Zurich, Ksthaus). Les sculptures d'après-guerre suggèrent souvent un cadre urbain, comme dans City Square (New York, MOMA), Femme marchant entre deux maisons et homme traversant une place (les deux Zurich, Ksthaus), et ils incorporent presque toujours un sentiment palpable d’espace vide entourant les personnages individuels.

Les personnages de Giacometti, avec leur maigreur, leur anonymat et leur isolement dans l’espace, ont immédiatement frappé les cordes critiques et les collectionneurs. Ses sculptures étaient perçues comme des métaphores appropriées de la condition humaine de l'Europe de l'après-guerre: l'horreur des camps de concentration, des personnes déplacées, des vies détruites. Sur un plan plus philosophique, les critiques ont également considéré l'art de Giacometti comme un existentialiste, une interprétation introduite par Sartre dans ses deux essais sur l'art de Giacometti (1948 et 1954). Cette interprétation existentialiste de ses sculptures et peintures fut la norme du vivant de l'artiste et provoqua une réaction de la part des critiques formalistes (voir Kramer). Les interprétations contextuelles et historiques de son art ont beaucoup de valeur, mais elles limitent son travail à une sorte d’illustration philosophique, alors que son art exprime une angoisse plus personnelle et universelle que celle spécifiquement de son époque et de son lieu.
Après 1950, Giacometti rétrécit sa gamme de compositions en évitant les compositions à plusieurs personnages et les contextes urbains pour les personnages isolés et les bustes. Après 1952, il a modelé de nombreux bustes de Diego sur la base d'études de la vie et de la mémoire. Elles vont de représentations relativement naturalistes à celles caractérisées par une distorsion verticaletirez'ou tension associée à de forts contrastes entre les vues frontale et de profil, comme dans Grand buste de Diego (1954; Zurich, Ksthaus). Tant ses bustes que ses nus debout sont caractérisés par des surfaces modelées de façon expressionniste et des regards frontaux fixes, qui tendent tous deux à garder le spectateur à distance.




Pendant la période d'intense productivité de l'après-guerre, Giacometti a dessiné de manière constante et peint régulièrement après une interruption de 20 ans. Son style de dessin consistait en des lignes exécutées rapidement, souvent continues, qui tournaient autour de son sujet et à travers son sujet, sans jamais le définir complètement, mais en donnant une idée de sa masse et de son mystère. Les premiers dessins de l'après-guerre ont été fortement retravaillés, occultant souvent les traits du visage dans un tourbillon de lignes expressionnistes. Vers 1954, au moment où il rétrécit sa gamme de compositions en sculpture et en peinture, il élargit son champ de dessin. Ses dessins au crayon de portraits, de nus, de natures mortes et d'intérieurs datant du milieu des années 1950 témoignent d'une fusion de puissance et de délicatesse. stable. Son style de peinture mature s'est développé à partir de cette méthode de dessin linéaire, car il utilisait des pinceaux très fins comme des crayons. Beaucoup de ses peintures d'après-guerre ont une bravoure virtuose de ces lignes noires, blanches, rouges et jaunes, comme dans Portrait de la mère de l'artiste (1950; New York, MOMA), Diego assis (1948; Norwich, U. E. Anglia, Sainsbury Cent.), Annette dans le studio avec 'Le chariot' (1950; Londres, priv. col., voir 1969-70, ex. cat., p. 93), Diego à la chemise à carreaux rouge (1954; New York, priv. col., voir Lamarche-Vadel, p. 97) et Annette (Stuttgart, Staatsgal). Dans de nombreuses compositions, les figures apparaissent en tension discrète avec l'espace environnant, subtilement isolées du contact avec l'environnement, interprétées par Sartre comme des êtres dans le vide de l'existence.

Le travail de Giacometti dans l'après-guerre lui valut une reconnaissance internationale immédiate. Il expose à la galerie Pierre Matisse à New York au début de 1948, puis à la fin des années 1950 et en mai 1958. À Paris, la galerie Maeght présente son travail à la mi-1951, en mai 1954 et en juin 1957. Les musées acquièrent son La Kunsthalle de Berne monta un one-man-show en 1954; L'année suivante, il a eu différentes rétrospectives à la Arts Council Gallery de Londres et au Solomon R. Guggenheim Museum de New York.


4. Crise de 1956-1957 et œuvres tardives, 1958-1965
Giacometti a poursuivi ses travaux de sculpture et de peinture, principalement des bustes et des nus féminins debout, dans les années cinquante. Il convient de noter les 15 (10 survivants) sculptures féminines debout réalisées pour des expositions à Berne et à Venise en 1956. Cependant, peu à peu, Giacometti s'inquiète de plus en plus de son incapacité à réaliser pleinement dans son travail ce qu'il se proposait de faire. Cette névrose a culminé à la fin de 1956, alors qu’il peignait les portraits d’un professeur de philosophie japonais en visite, Isaku Yanaïhara (Paris, Pompidou; Chicago, IL, A. Inst .; priv. cols). La crise du doute de soi a affecté au début et de manière la plus visible sa peinture, dont il est devenu obsédé. La linéarité rapide de la bravoure des années d'après-guerre dans des œuvres telles que Annette (1949; priv. col., voir 1969-70, ex. Chat non. 136) a cédé à l'indécision, à la peinture et à l'oblitération obsessionnelles, de sorte que ses toiles étaient de plus en plus caractérisées par des miasmes gris envahissant la figure (ou l'objet), comme dans Large Large Standing Nude (1958; Düsseldorf, Kstsamml. Nordrhein-Westfalen).


Après la période de crise, Giacometti a continué à souffrir énormément, mais son travail dans tous les médias s'est renforcé, en particulier de 1959 à 1962. Ces œuvres tardives sont caractérisées par une intensité et une exécution expressives énormes. En 1959-1960, il crée un groupe de grandes sculptures (commandé à l'origine pour le Chase Manhattan Plaza à New York, mais jamais finalisé), résumant les trois grands thèmes de son œuvre: la grande femme debout I-IV, d’une hauteur moyenne de 2,74 m, le buste monumental et le Walking Man grandeur nature I-II. De 1962 à 1965, il a travaillé sur une série de 10 bustes d’Annette et d’autres de Diego et du photographe roumain Elie Lotar (1905-69). Tous ont un regard troublant, des surfaces vigoureusement modelées et des silhouettes déformées; leurs visages fixes, souvent profondément marqués par les coupures du couteau de mannequin, regardent comme si ils cherchaient à pénétrer au-delà de leur propre réalité. Une certaine linéarité est revenue dans ses peintures, mais d’une manière légèrement différente, fusionnant avec l’espace gris nébuleux pour produire une tridimensionnalité sculpturale mais fantomatique, en tandem avec une expressivité gestuelle. Avec un certain nombre de peintures d’Annette en 1960-1962 (par exemple. Washington, DC, Hirshhorn), nombre de ses peintures tardives les plus puissantes représentent une jeune prostituée appelée Caroline, dont il était tombé amoureux (par exemple. 1962; Bâle, Kstmus). Il a également peint une série de 'têtes noires'de Diego, d’ampleur modeste mais envoûtante et presque morbide (par exemple. Tête de Diego, 1961; Boston, Massachusetts, Mus. FA.).

Au cours des dernières années de sa vie, la renommée publique occupa une grande partie de son temps, alors que collectionneurs, marchands, jeunes artistes, conservateurs et les médias affluaient dans son petit studio. Matisse et Maeght ont tous deux présenté des expositions à succès de son travail en 1961, suivis d'une exposition majeure de plus de 100 œuvres à la Biennale de Venise en 1962. Le Kunsthaus de Zurich (1962-3), la collection Phillips à Washington, DC (1963), le Museum of Modern Art de New York (1965) et la Tate Gallery à Londres (1965) ont tous montré de grandes rétrospectives. Au début de 1963, il subit une intervention chirurgicale pour un cancer de l'estomac. Il se sentit de moins en moins malade même s'il continuait à travailler. / Source: par Valerie J. Fletcher © Oxford University Press.






















































Giacométti, Alberto. - Scultore e pittore svizzero (Stampa, Grigioni, 1901 - Coira 1966), figlio di Giovanni. Frequentò la scuola d'arte di Ginevra; nel 1920-21 fu a Roma; 1922 si stabilisé à Paris, souvent avec Bourdelle et s’écrivant à l’Académie de la Grande-Chaumière. Dal 1925-1928 eseguiva sculture di carattere decisamente cubista. N ° 1929 sur le mouvement surréaliste, réalisant des objets et des constructions-cages (Boccia sospesa, 1930, Zurigo, Kunsthaus) e dall'esperienza surréaliste un senso magico dello spazio, qui définit les paroles de la première ligne (Palazzo alle 4 del mattino, 1932-1933, New York, musée d'art moderne). Résultats de recherche des success successions de la figuration, des informations supplémentaires sur la qualité de la peau, la suggérite, la sensibilité de la plastie, des formes, des formes, de la forme et de la forme des bronches, ainsi que la forme des bronches; il tema prediletto della sua scultura est la solitudine, la vulnérabilità dell'uomo nell'infinita vacuità dello spazio (Uomo indicante, 1947, Londra, Tate Gallery). Resto a Ginevra durante tutta la deuxième guerre mondiale. Nel 1947 a terminé sa carrière en ce qui concerne les droits de la personne, voici les anneaux les plus courus, les critiques, les couleurs vives du temps. Il sento angoscioso dell'esistenza avec la définition de l’opéra de G. est statistiquement particulier annoncé pour J.-P. Sartre Nel 1962 sur le Grand Prix de la Biennale de Venise et 1965 sur le Grand prix des arts de la ville de Paris. Un groupe de personnes interrogées à ce sujet (VoirKunsthaus), colombe è stata istituita un fondazione a lui intitolata. / Fonte: © Treccani - Enciclopedia Italiana.

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