Artiste britannique

Fletcher Sibthorp, 1967 | Peintre figuratif

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Le peintre britannique Fletcher Sibthorp travaille depuis vingt ans comme artiste à temps plein. Il produit des œuvres pour le marché commercial et vend des peintures à des collectionneurs privés et professionnels. Rank Xerox, British Telecom, la Chase Manhatten Bank, Railtrack et Kirin Brewery ne sont que quelques-unes des sociétés qui possèdent ses peintures dans le cadre de leurs collections. Au début, Fletcher était attiré par le concept de mouvement et son effet sur la forme humaine. Cela a naturellement conduit à son intérêt pour le sport et les représentations abstraites de gymnastes et d'athlètes, aboutissant à une exposition 'En mouvement'à Londres en 1992.

Né dans le Hertfordshire, en Angleterre, Fletcher Sibthorp a eu une carrière de peintre avec succès depuis l'obtention de son diplôme avec mention à l'Université de Kingston en 1989. Bien que principalement connu pour ses peintures de danse, Fletcher a produit plusieurs œuvres dans le cadre d'une série en cours appelée Quiet Space. , dont les derniers exemples sont dans ce livre.
La série Quiet Space est pour moi mon travail le plus personnel. Au fil des ans, j'ai trouvé une récompense dans la production d'œuvres d'art qui ne soient que des "êtres". Je n'y attache pas beaucoup de sens et je crains de les expliquer de quelque manière que ce soit. Pour moi, la peinture est un langage visuel, elle ne devrait donc pas nécessiter de rationalisation. Je crois que les œuvres d'art, en particulier mon type de travail, devraient être explicites, car il s'agit d'un langage visuel. Si vous devez l'expliquer, vous échouez dans une certaine mesure. Tout devrait être véhiculé dans le tableau. J'irais avec Oscar Wilde, qui a dit un jour: «Une image n'a pas de sens mais sa beauté, pas un message mais sa joie.”.


Après avoir commencé cette série en 1999, j’ai eu l’impression que je n’avais pas complètement exploré le thème et je me suis retrouvé attiré à maintes reprises. Quiet Space représente pour moi des moments capturés d’introspection et de fragilité humaines, des instants qui existent et disparaissent, qu’il s’agisse d’une expression, de la façon dont la lumière tombe et attrape le visage, ou d’un simple portrait. La simplicité des peintures permet au spectateur d’attacher naturellement ses propres expériences et pensées au travail. La plupart des œuvres comportent un récit sous-jacent, mais celui-ci est subtil - la réduction contemporaine juxtaposant les références et les thèmes classiques.
Techniquement, j'ai constaté qu'au fil des ans, mon travail est devenu plus considéré - en suivant les pratiques et les idéaux classiques. Inspiré par le travail que j'admire à la National Gallery et à la Tate Britain et par la récente résurgence de l'art figuratif aux États-Unis, je me suis lancé dans la voie qui consiste à perfectionner mes compétences pour créer l'œuvre que je voulais créer et trouver ma voix individuelle..

Ce type d'approche va à l'encontre de la pratique contemporaine, même dans les domaines de l'art figuratif contemporain, qui met l'accent sur l'application expressive de la peinture sans trop se préoccuper de la qualité de la manipulation de la peinture. Cette façon de travailler convient à certains artistes, mais pour moi, le fait de ne pas avoir le contrôle total signifie que je me limite à ce que je peux réaliser, émotionnellement et techniquement. Ce que j'essaie d'interpréter est basé sur des valeurs techniques solides.

Commençant ce qui pour moi est un voyage renouvelé, j'ai commencé à réfléchir aux œuvres que je produirais. Je suis arrivé à la conclusion que chaque pièce produite devait être semblable à une gemme, créée avec soin et habileté. Je voulais que les gens apprécient le travail pour lequel il était et puissent reconnaître les efforts nécessaires pour produire chaque œuvre individuelle - ma création personnelle, peinte par moi-même et non l'une des nombreuses sur une chaîne de production, peinte par des assistants d'artistes. Je devais être complètement convaincu que c'était le meilleur que je pouvais faire et tout ce qui était moins rejeté.




Thèmes ballétiques
Après le succès de son spectacle de 2005, il a été approché par la célèbre galerie Medici, également une galerie établie de Cork Street. Sibthorp organisa son premier spectacle mixte avec eux l'année suivante et incluait certaines de ses premières pièces de Royal Ballet. En 2007, l’émission Medici a été marquée par une nouvelle tendance à abandonner le flamenco avec de nombreuses autres peintures et études résultant de sa participation aux répétitions générales et aux photocalls à la Royal Opera House. Ses pièces les plus remarquables ont été inspirées par le ballet moderne 'Chroma'par Royal Ballet'Chorégraphe en résidence 'Wayne McGregor et avec des décors de l'architecte minimaliste britannique John Pawson, ainsi que la production de Danse à grande vitesse, du chorégraphe Christopher Wheeldon et mettant en vedette le principal danseur Darcey Bussell. L’un des tableaux de cette dernière production s’est vendu 25 000 £, élevant l’œuvre de Sibthorp au rang suivant. 'niveau d'état'dans l'art figuratif britannique contemporain.
La réponse de ce spectacle a été telle que Sibthorp a été invitée à être l'unique observateur des dernières répétitions en studio de Darcey Bussell avec ses partenaires de danse réguliers Gary Avis et Carlos Acosta, menant à son dernier spectacle de retraite acclamé au Royal Opera House. Il prévoit de continuer à étudier la figure humaine et à danser sous toutes ses formes.

















































































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